2013 (7)

Exposición Manuel Martínez Ojea

obra-cerezasEl pensamiento desacostumbrado

Cuando Manuel Ojea mostró “Las cerezas de Eva” me asaltaron conjeturas. Ahí estaba el árbol, y su ramaje verde primaveral se abría como un cajón de juguetes para revelar otro misterio: las cerezas. No se detenía en preámbulos como la florescencia, la cosecha. ¿Acaso una elipsis intencional? De modo que, en la obra coexistían dos tiempos claramente diferenciados. Ambos afloraban desde un metalenguaje con inoculta ambigüedad. El texto integrado al cuadro invitaba también a otras lecturas no sólo bíblicas, sino también genéricas. Con cierto grado de incertidumbre y aprendizaje, Manuel Ojea, redescubre la realidad, en un discurso plástico que versa sobre sí mismo, que nos devuelve como contrapropuesta la parodia, pero también el contexto de sus experiencias personales, visiones de un universo nunca ausente de cubanía, donde lo simple se hace profundo e incoTarjeta de presentación de exposición en Imprevisualnmensurable. Todo ocurre en un instante en el cual la obra bidimensional transmuta hacia objeto esculturado e irrumpe en lo corpóreo. De modo que un solo símbolo adquiere multiplicidad de significados o se convierte en pretexto para una idea menos evidente. Cada obra contenida en esta muestra gira en torno a sí misma, se autoconfirma, se reinterpreta. Y es que a Manuel siempre le ha inquietado la frase de René Magritte: “Todo nos hace pensar que detrás de un objeto se esconde otro”. A la que yo sumaría otra igual de certera del surrealista belga: “Es raro ver lo que uno mira y saber que no tiene nada necesario de aprender. Parece que uno renuncia a ver, uno pasa sin ver y vuelve a caer en la actividad explicativa del pensamiento acostumbrado: si por ejemplo uno ve un árbol, lo pierde de vista sustituyéndolo por un símbolo...” . De eso se trata, pues. La obra de Manuel nos enseña a mirar con el pensamiento desacostumbrado.

RAIMUNDO DÍAZ

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El Ring de los canallas. Carlos Michel Fuentes

Tarjeta de invitaciónEn su vertiente más canalla, Carlos Michel Fuentes (1968) presenta un conjunto de ilustraciones ad hoc donde el derroche de la idea y la factura del dibujo son los protagonistas. Esta vez, en el terreno de la ilustración, se expresa a través del sarcasmo, la ironía y el doble sentido.
La hilaridad, algo tan consustancial de lo caricaturesco, se revela en el conjunto como un recurso sutil y final. El artista ironiza con los “suicidios” cotidianos del ser humano, los complejos, las culpas, las nimiedades, las flagelaciones, las miserias, las felonías, en lo que podríamos describir como una relectura del “mea culpa”. Un “asesinato” del alter ego. 
Como si de una pelea de boxeo se tratara, los dos “yo” suben a un ring a cruzar guantes, intentando el knock-out del adversario. ¿Quién terminará vencido? ¿Quién caerá de bruces sobre la lona? ¿El yo visible? ¿El yo disimulado? En este punto de giro, quizá ninguno de los dos está llamado a vencer. Al menos sabemos que hay algo destinado a perder: la doble moral. Esa que nos habita, de una manera u otra, en cada día de la existencia.
 

A. Rosell / R. Díaz

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Políticamente Incorruptos

0-cartel-incorruptosPolíticamernte Incorruptos    

Es al espectador, y no a la vida, a quien refleja realmente el arte. Sentencia así Wilde en su peculiar prefacio a El retrato de Dorian Gray. Implica esta idea el entender el arte como actividad social. De esta forma, la creación es capaz de propiciar un espacio de intercambio y diálogo, donde la actitud honesta de espectador y obra se convierta en cadencia.

Es esa actitud la que deriva de un ejercicio limpio de la política, esto es, etimológicamente hablando, del ejercicio de ciudadanía. Cuando, según señala Tucídides, Pericles sostenía que la ciudad toda es escuela de Grecia , hablaba de esa cadencia surgida de la interiorización de la democracia como base de la actividad social.

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Aldo Alcota

ENTRE TANTO LOS OJOS EN EL ALA DE UN ALBATROSTarjeta presentación de exposición.

Obras que esperan ser devoradas por los ojos. El acto de ver tiene alas y juega en el vértigo de la razón a punto de estallar. La creación automática se adhiere a las fauces de muchas bestias que rinden homenaje al Conde de Lautréamont. Cada personaje es un cuerpo poético que escapa de los límites de lo cotidiano. Se dibuja y se pinta dentro de un carrito de montaña rusa. Sin bocetos previos.  

“Escribí hace años que cuando me designan como ARTISTA es como si me dieran una bofetada” expresa el maestro portugués Cruzeiro Seixas. Para muchos surrealistas la palabra artista suele incomodarles. Recuerdo a Matta cuando decía que no era pintor sino un vertor. En mi caso prefiero ser un poeta que convierte los pinceles, lápices y papeles en animales salvajes de una sinfonía del deseo. Crear es construir vasos comunicantes con los mundos del inconsciente y de otras dimensiones.

El título de esta exposición es un verso del poeta francés Benjamin Péret, perteneciente a su poema El trabajo anormal. Esta exhibición la dedicado a la poesía. Los ojos del espectador serán llevados en el ala del albatros y después bucearán en las aguas frenéticas de la imaginación. Que no falte humor. Que no falte el espíritu libre del Surrealismo.    

 Aldo Alcota

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Alfonso Renza

Tarjeta de presentación para la exposición. Diseño: SIGNOVISUAL.Todo es profundo en los ojos de la Ciudad.
Hasta la tela de los engaños desvenda la 
persistencia de este rostro. 
CONCEIÇÃO LIMA
 

Se suceden los rostros esbozados, esos trazos recordados de un desnudo íntimo, ante la pupila constante del que crea, del que contempla. Toda obra es perplejidad, pregunta a bocajarro en medio de cualquier rutina transitada. Y el dibujo del artista colombiano, Alfonso Renza, bosqueja esa ruptura, esa convivencia entre la línea perfilada y la pulsión expresionista. Construye y deconstruye, porque la creación es interrogación constante sobre aquello creado. Yuxtapone texturas con grafito medido y delicado, y el espectador atraviesa varios espacios, quizá dimensiones, participando de ese vórtice de sugerencias.

Y aquí se hace importante la relación entre obra y soporte. Tal vez por ese planteamiento que busca escudriñar en los rostros, en la anatomía una cadencia, un ritmo, el lienzo interviene en ese dinamismo como un rostro más; a veces despeinado, otras sorprendido, pero siempre agente observador de aquél que mira e interactúa en ese diálogo de perspectivas.

 

José Ángel García Caballero

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INTIMISTAS. Alejandro Casanova

Cartel exposición IntimistasPara Alejandro Casanova el desnudo es el momento más revelador de la psicología humana. Ese instante de intimidad que posterga el entorno social, con sus rutinas y manierismos, profundiza en un mundo de relaciones hombre-objeto, donde predomina un criterio puramente selectivo. Casanova reconstruye la escena despojándola de todo detalle superfluo. Discrimina. Separa. Difumina. Así sus personajes parecen interactuar con las circunstancias y los entornos que él mismo ha elegido, como para subrayar ese instante en el que podemos imaginar las sensaciones, el subconsciente, en su devenir cotidiano. Una sensibilidad sobrecogedora e introspectiva. El artista nos convida a respirar y sentir ese tono sugestivo propio de los ambientes cerrados -por momentos claustrofóbica-. Estos retratos son síntesis de emociones. El día a día, puertas adentro. La contemplación frente al espejo, el contacto de los pies desnudos con las baldosas, la mirada absorta frente a la pantalla de un ordenador, el contacto con el agua de una bañera, el reposo en un sofá, un perro solitario. Momentos en que rivalizamos con nuestro yo, en que nos enfrentamos a nuestros miedos, angustias y soledades, en que gozamos de una casi absoluta libertad y nos despojamos de nuestras vestiduras. Casanova refuerza esta intencionalidad con pinceladas y texturas propias del expresionismo sin abandonar las formas y la expresividad del color y la línea, sin subrayar los detalles. Sus composiciones reproducen los mismos modelos en situaciones diferentes; sin embargo, esta reiteración no supone una limitación expresiva. Tales recursos le permiten transitar entre dos discursos: el del más puro retrato realista y el del retrato difuminado que reivindica lo sensible e intimista del cuerpo humano, lo puramente emotivo.

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